“Da Mata ao Morro”, la primera muestra del artista brasilero Santidio Pereira en Xippas, Punta del Este. Nacido en Curral Comprido, un diminuto pueblo de Brasil, Santidio emigró a San Pablo de niño para ingresar a Acaia una ONG que asiste niños y adolescentes, donde inició su práctica artística. Imágenes de sierras sinuosas y superpuestas, gajos desbordantes de memoria y los colores de su tierra son las líneas rectoras de su trabajo. En esta entrevista Santidio Pereira nos habla de sus recuerdos, el uso del color y nos brinda en exclusiva su visión de la naturaleza como inspiración y búsqueda esencial.
Da mata a un moho es la revelación de la búsqueda a través de formas y colores. Una búsqueda guiada por los afectos, como señala Tiago Mesquita, ¿pero también fuertemente influida por tus recuerdos de infancia?
De cierto modo, es así, es eso. Yo creo que haber nacido en Piaui me hizo sentir más en contacto con que yo tuviese un contrato con la naturaleza y que esa naturaleza reverberase en mí de una manera diferente. Cuando yo fui para San Paulo, sentí la necesidad de esa naturaleza que fue alejada de mí y entonces fui en busca de otras naturalezas próximas, de otros paisajes, de otros biomas. Es de cierto modo, exactamente eso, es una búsqueda de encuentro con la naturaleza nuevamente, pero no solamente con la naturaleza del Piauí que fue la primera, más todas las naturalezas que yo puedo encontrar. Es una tentativa, mismo, de conexión y de búsqueda y de recorte con la naturaleza en sí, que yo creo que es tan bonita y esencial para el ser.
Fauna, la flora y el paisaje. Ese es el núcleo conceptual de la obra de Santídio Pereira, el joven artista brasileño que con 27 años ya expuso en el Museo de Arte Moderno de San Pablo, la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain de París, la Power Station of Art de Shanghai y el año pasado tuvo una muestra individual en la Fundação Iberê Camargo de Porto Alegre.
¿Ese anhelo de una vida en comunicación con la naturaleza parte entonces del sentimiento de ser privado por la civilización de lo que nos es más íntimo y esencial?
Yo creo en la tentativa de traer a la naturaleza nuevamente lo auténticamente natural para la visión, de traer el horizonte, de traer las plantas, es exactamente porque esa naturaleza nos fue privada. Si yo estuviese en contacto con la naturaleza, no tendría necesidad de hacer esa naturaleza.
Pero como yo tengo ausencia de la naturaleza, yo siento la necesidad de tenerla próxima de mí nuevamente. Como yo tengo ausencia de un horizonte, yo siento la necesidad de tener ese horizonte cerca de mí nuevamente. Yo creo que si yo viviera en un campo bonito y verde tal vez el trabajo cambiaría mucho, porque yo tendría ausencia de otras cosas y no de esa naturaleza.
Entonces, el trabajo es un tanto de tentativa de traer a la presencia de cosas ausentes, de cosas negadas, de cosas robadas. En mi caso, fue la naturaleza, fue el horizonte, viviendo en San Paulo, sobre todo allí también en la época de la pandemia. Pero el trabajo es eso, es una tentativa de traer lo que nos fue quitado. Entonces, cuando yo hago una residencia artística o cuando yo hago una inmersión artística en busca de la naturaleza, en busca de contacto íntimo con la naturaleza, no es que yo quiera representar a la naturaleza igual a como ella está en el mundo, es que yo quiero hacer un recorte de la belleza, de la naturaleza conforme a mi deseo.
¿Como un naturalista del siglo XIX que intentaba retratar una naturaleza ignota en sus cuadernos de viaje?
Yo no trato de ninguna manera de hacer una naturaleza verosímil, una cosa súper igual, pero es una especie de signo mismo y de una naturaleza de cierta manera inventada. No tiene mucho a ver con lo que los artistas de antiguamente allí hacían. Cuando hacían una cosa más científica, diseñaban una planta.
Un mundo onírico y a la vez trascendental. ¿Colinas, plantas o pájaros elementos claves del romanticismo? ¿Un llamado a volver a la naturaleza y a lo absoluto?
Yo puedo clasificar mi trabajo como un trabajo íntimo, un trabajo subjetivo. Es un trabajo que dice respecto a un mundo visto por Santidio. Y yo creo que es eso, de cierto modo, onírico, porque es un trabajo subjetivo que tiene que ver cómo yo encierro el mundo, los recuerdos y como yo los paso al mundo. Y esa relación establecida con otros períodos de la historia, claro que tal vez también tiene que ver con lo ocurrido. Pero en cierto modo, yo no intento hacer nada, además de representar el mundo a partir de una perspectiva que tenga ser y sensibilidad, que tenga que ver el mundo de una forma con sensibilidad y realmente ver el mundo en un tiempo que las cosas del mundo necesitan. Y no para ver el mundo en un ritmo contemporaneo, ver el mundo de tal modo que nadie pueda ver nada. Ve todo, pero no ve nada. Entonces, mi trabajo es una tentativa de mirar las cosas y no solamente ver las cosas del mundo. Entonces, el título de Mata al morro nace porque realmente es lo que pasó, porque yo hago muchas residencias artísticas, muchas inmersiones artísticas en busca de los recortes del mundo que yo deseo colocar en el mundo nuevamente a partir de mi perspectiva.
Santidio Pereira llega a Punta del Este tras una serie de importantes exposiciones internacionales, entre ellas una muestra individual en la Iberê Camargo (Porto Alegre) y en Galería Estação en 2022, además de haber participado con gran éxito en The Armory Show (Nueva York) y Art Basel Miami, así como también en la Fondation Cartier de París. La muestra contó con la presencia de la galerista Vilma Eid, que lo representa en Brasil con Galeria Estação, y Emilio Kalil, actual director de laFundação Iberê Camargo.
¿Porque el título de la Mata ao Morro, que significa para vos?
Y yo fui a hacer una inmersión artística en San Antonio do Pinal. Y la idea de ir para San Antonio do Pinal era desear bromelias, desear plantas, tener un contacto íntimo con esa naturaleza. Y terminé, en cierto modo haciendo un diseño de un horizonte, de un paisaje y de morros. Y el trabajo se da en el atelier de una manera mezclada. Entonces, yo estaba haciendo bromelias allí en el atelier y cuando vi esos diseños de morros, de paisajes y de horizontes, yo también comencé a hacer esos morros y esos horizontes allí en el atelier. Y de cierto modo, el atelier quedó compuesto allí un tanto de mata y de morro. Por eso el título de la mata al morro es porque la mata realmente tiene un tipo. Yo fui a buscar la mata y el morro se mostró para mí. Entonces, yo me quedé sin la mata, eso realmente es lo que pasó. Yo creo que tuve una formación muy buena en el Instituto de acá y me presentaron muchos procedimientos artísticos, muchas técnicas artísticas. Con ocho años yo estaba mezclando un tanto con maquinaría y después fui a hacer escenografía y también fui a xilografía y también fui a pintura y animación.
Hablanos de tu técnica tan particular como surgió el proceso de incisión Cut and fitting:
Yo desarrollé un repertorio basado en el grabado, Yo hacía grabados inicialmente, grabados convencionales, como se hace, con gubia, con formón, diseñaba también con lápiz y hacía ese desbaste de madera, esas incisiones. Sólo que con el tiempo fui percibiendo que yo podría usar los otros conocimientos y que un conocimiento no excluye otro. Entonces, la incisión, recorte y encaje nace a partir de mis conocimientos de maquinaría. Cuando yo resuelvo no solamente grabar madera, pero yo también resuelvo hacer la incisión, el recorte y el encaje, porque eso tiene mucho que ver con el conocimiento de maquinaría, con el conocimiento de grabado también. Entonces, yo creo que es eso, el trabajo. Es un compuesto y es hecho y los procedimientos son desarrollados a partir de mis experiencias con varios procedimientos, algunos más artísticos que otros.
Las bromelias son uno de tus motivos preferidos… también incluís pájaros y otros habitantes del bioma…
Entonces, en ese momento, yo creo que las bromelias, sí, se muestran de una manera muy presente en mi trabajo y yo voy en busca de este trabajo. Entonces, tal vez en este momento sea uno de mis motivos favoritos. Futuramente, yo no sé, pero como yo soy una persona que muda y trato de ser sensible, yo creo que el mundo se presenta ante mí y después yo colaboro en el mundo. Por el momento, lo que me está atrapando son las bromelias y los morros. De cierta manera, sí, son los motivos favoritos en este momento. Pero eventualmente puede mudar. Yo puedo hacer una cosa completamente diferente también, si esta cosa se ancla en mí, siento que yo preciso colocarla en el mundo de alguna manera. Los colores de los trabajos son todas subjetivas, son colores que no exactamente están en los objetos del mundo. Entonces, cuando yo hago una bromelia rosa, no necesariamente en el mundo ella es rosa. Cuando yo hago una bromelia blanca o azul, no necesariamente ella también es blanca o azul. Pero como son colores subjetivos, son colores también inventadas y es una búsqueda un poco de allá de la forma. De cierto modo, esas bromelias también son inventadas, ellas son inspiradas en las bromelias del mundo, pero también son inventadas y los colores son todas de mi subjetividad, salvo una u otra que realmente yo coloco bajo el color que está en el mundo, porque yo creo que la forma y el color se relacionan muy bien.
¿Para vos existe una alquimia del color que nos conectan con nuestras emociones más profundas?
Cuando yo hago una obra no tengo certeza cómo ese color va a comportarse en el mundo en relación conmigo, en aquella forma y cómo esa obra va a comportarse en el otro. Porque esa obra puede comportarse en mí de una manera y puede comportarse en otra persona de otra manera completamente distinta. Entonces, es un trabajo hecho en el sentido de color y en el sentido de forma, también a partir de la intuición. No tengo nada de certeza en el trabajo, pero tengo una certeza sobre el sentir. A veces el trabajo funciona, a veces la obra se construye bien, a veces no. Pero yo creo que, de cierto modo, tiene mucho que ver con la intuición, con sentir la obra, y yo no sé explicar ese proceso verbalmente, porque es una cosa acerca de sentirme vivo. No alcanzo a verbalizar eso.
Creditos: Obras, Santídio Pereira, Untitled, 2023. Gouache on Arches paper 300g, 115 x 76,5 cm. ©João Liberato. Exhibition view by Ignacio Rodriguez.
Agradecimientos: Elisa Valerio / Xippas Punta del Este
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